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《净化圣殿》（The Purification of the Temple）格列柯
本文记录了西班牙从14世纪至20世纪的艺术变迁，参考了大量艺术史资料。700年里西班牙产生了大量的世界级艺术家例：费尔列尔·巴索，埃尔·格列柯，里韦拉,苏巴兰，委拉斯贵支，巴·伊·穆里罗，米罗，毕加索，达利，戈雅，安东尼奥·高迪，塔比埃斯。好，现在我们驶入西班牙艺术的海洋！
一。14,15世纪是西班牙美术
从15世纪,欧洲的文艺复兴之风也吹到了西班牙,西班牙的文艺复兴从13世纪后半期就已经初露端倪.
14,15世纪是西班牙文艺复兴的早期,最主要的两个画派是加泰罗尼亚画派和瓦伦西亚画派.14世纪加泰罗尼亚画派最有名的画家是费尔列尔·巴索,被称为"西班牙的乔托",同乔托一样,努力把宗教题材的绘画引向世俗化,使作品具有生活气息.他创作的湿壁画《崇拜圣母》,《牧人来拜》,《基督复活前的女圣徒》.15世纪该画派的代表人物是哈·乌格特《圣乔治》.15世纪的西班牙绘画得到了很大的发展,逐渐摆脱了中世纪的影响.瓦伦西亚画派的画家哈依姆·费雷尔的《最后的晚餐》就是用世俗的眼光看待宗教这一神圣的题材.
二。16世纪的西班牙美术
16世纪的西班牙,不少画家赴意大利学习,16世纪上半期塞维利亚画派是比较突出的画派,这个画派的代表人物有阿·费尔南德斯(《航海者圣母》)和巴尔加斯等人.
16世纪下半期,腓力二世当政,他不大喜欢人文主义的思想和艺术,所以这一时期西班牙艺术比较保守,西班牙流行罗马主义艺术.
西班牙地方画派中最著名的画家是埃尔·格列柯(1541-1614),格列柯原名多米尼加-泰奥托科普里,来自希腊克里特岛,因此人称"格列柯"即希腊人."第一位打开西班牙绘画黄金时代的人"
《托雷多风景》（View of Toledo）格列柯
《净化圣殿》（The Purification of the Temple）格列柯
《脫掉基督的衣服》（The Disrobing of Christ）格列柯
《圣母升天》（The Assumption of the Virgin） 格列柯
《受胎告知》（The Annunciation） 格列柯
《圣名之赞仰》（The Adoration of the Name of Jesus） 格列柯
《园中的痛苦》（The Agony in the Garden）
1577年,格列柯来到西班牙,后长期定居在西班牙的托列多城.托列多是西班牙没落贵族聚居地,格列柯怀才不遇的心情和没落贵族相合拍.在他的作品中经常反映出苦闷,沉思,骚动不安的情绪.他不满上层社会,但又离不开他们独立生活,因此他是一场悲剧.美术史家芬克斯坦说:"在埃尔-格列柯看来,周围的整个世界在崩溃".
《基督受刑》（Christ on the Cross Adored by Donors） 格列柯1580年,《基督受刑》格列柯一生画过多次基督受刑图,大部分将基督身体拉长成逆s形与脸部的表情相结合.这根据16世纪技巧主义的方法.画家用浓云密布的天空增加戏剧性气氛.
1586-1588《奥而加斯伯爵的葬礼》图中描写这样一个传说:1323年,当奥而加斯伯爵下葬时,突然从天而降两位圣人,他们穿着金色的衣服,走向人群,抱起奥而加斯伯爵并把他放入尸棺.当这一奇迹出现时,在场的人十分惊奇,他们有的忙念经文,有的举目望天,有的沉思,有的惊叹……这幅画既表现奇迹又不完全相信奇迹,重在表现人们矛盾的心情.
1610-1614《使徒彼得和使徒保罗》,《揭开第五印》,《托列多的风景》,《拉奥孔》,《基督被剥去圣衣》画面中托列多的风景说明悲剧就发生在身边.
《貂衣贵妇》（A Lady in a Fur Wrap）格列柯
格列柯的艺术实际并不神秘,看上去有些荒诞离奇,那是画家扭曲了的内心世界,借助于抽象的宗教题材或自然风景的宣泄表达.所以格列柯的艺术在一定程度上反映了他所处的那个时代的社会和人生,他想通过自己创造的艺术形象,来表现一位"真理探索者"苦闷,彷徨和激荡不安的心灵.
三。17,18世纪的西班牙美术
腓力二世去世以后,进入17世纪的西班牙大帝国日渐衰落,逐渐降为二等国.在这样的背景下,西班牙的美术人才辈出,出现了西班牙历史上的"黄金时期".这种黄金时期有桑方面的影响:
1,西班牙文学对美术的影响.16世纪下半期,西班牙的文学先于美术出现繁荣期,出现伟大的文学代表塞万提斯和戏剧家维加.塞万提斯和维加的榜样作用非常重要,他们的作品启发后人去观察生活,反映人民群众的思想和爱好,并在作品中力求体现民族精神.西班牙艺术中的波德格涅斯风格就是在这种精神的引导下发展起来的.
2,西班牙地方画派中现实主义力量的存在和发展.3,意大利卡拉瓦乔主义的影响.在西班牙的肖像画中,画家笔下的人物有一种特殊的气质——坚定,冷峻,尊严和刚毅的力量,这在别国的作品在是少见的.可能这与他们长达800年反抗摩尔人的斗争有关."黄金时代"有三大代表人物,他们是里韦拉,苏巴兰和委拉斯贵支.
跛足者 西班牙 里韦拉
荷西·德·里韦拉(1591-1652)西班牙人,出生于瓦伦西亚,随父去意大利后长期定居于那不勒斯.早期在艺术上受拉斐尔,提香和米开朗基罗影响,卡拉瓦乔的艺术对他的影响尤为明显与直接.1616年起成为那不勒斯的宫廷画家.早期的画《圣巴多罗买的殉教》中很少有宗教色彩,而是把宗教题材世俗化,正是卡拉瓦乔主义的特色.
年轻时候来到意大利的里韦拉,在卡拉瓦乔的影响下,确立了透彻的写实主义及敏锐的明暗法,充满动感的构图及魁梧的肉体等特征的表现样式.基督的四周是圣母,使徒约翰,圣父和尼科提模明暗对比的有效表现是里韦拉所特有的.主要作品:《跛足的少年》,《味觉》,《圣家族》,《下十字架》等等
17世纪上半期,另一个重要的画派是塞维利亚画派,法·苏巴兰是重要代表.
圣方济的沉思 西班牙 苏巴兰
法·苏巴兰(1598-1664)早年曾从一位染木雕的工匠学艺,后来老埃连拉对他艺术产生影响.他的一生几乎都在塞维利亚度过的.也只有苏巴兰才是透过那不勒斯的西班牙画家里韦拉,完全继承了卡拉瓦乔的自然主义和明暗描法的一位画家.他被称为"西班牙的卡拉瓦乔".苏巴兰偏好画圣人和修道僧,他的许多画都在单纯率直的构图中融入了强烈的明暗对比,充满严肃,神秘的气氛.主要作品:《雷翁公爵会议中的圣波那边多拉》,《安置圣波那边多拉的遗体》等。
卖水人 西班牙 委拉斯贵支
《纺纱女》西班牙 维拉斯贵支 是西班牙17世纪最著名的绘画大师.《纺织女》是委拉斯开兹58岁时的作品.这幅画是根据神话传说《变形记》创作而成.古时有位凡女阿涅克剌发明了纺纱织布,这使智慧女神雅典娜十分恼火,一气之下就把这位聪明的少女变为蜘蛛精.上帝甚感不公平,又将少女恢复原来的美貌与智慧,而将雅典娜变为丑老太婆.实际上是画家借题描绘了西班牙皇家壁毯工场的女工劳动场景.正如批评家所说的那样：“每一笔触都是真理的典范。”
《布雷达的献城》,《镜前的维纳斯》1651年夏,委拉斯开兹从意大利返回西班牙,国王晋升他为皇家艺术总监,这使他陷入繁杂的艺术事务中,画家因不能作画而感到十分苦闷,同时,宫廷贵族又反对国王为他授勋,理由是他出生平民,这使大师深感苦恼.
煎鸡蛋的妇人 西班牙 委拉斯贵支
教皇英诺森十世肖像 西班牙 委拉斯贵支（1649年，委拉斯贵支第二次去意大利，在那里，他完成了另一幅著名的肖像画《教皇英诺森十世肖像》（图148）。在这幅画中，他生动地刻画了一个栩栩如生、丝毫不加美化的教皇形象。委拉斯贵支既表现了这个人凶狠、狡猾的一面，又表现了这位老人精神虚弱的一面。当这幅画送给教皇时，教皇惊讶而又不安，心中虽然不快，但也不得不装出一副宽宏大量的样子赞叹一番，同时意味深长地说了这样一句话：“过分像了”。这幅画红色的调子表现出宗教所特有的庄严气氛，白色的法衣和红色的披肩形成了色调的对比，显示了画家高超的技巧。这幅肖像画在罗马引起了轰动，后人把这件作品看作是艺术的典范。）
宫娥 西班牙 委拉斯贵支（1651年，委拉斯贵支从意大利返回西班牙，这是他创作与生活的后期阶段。在这个阶段，委拉斯贵支除了创作而外，还做了不少宫廷事务性的工作。《宫娥》（图149）堪称委拉斯贵支的登峰之作，这是一幅有着风俗特色的宫廷生活画。这幅画展示了画家让时间静止在某一个瞬间的独特能力，将生活再现，宛如发生在眼前，人物看似随意的排列，以及画家超然、与其他人物无涉的态度，呈现出类似快照的效果。只有伟大和精湛的技巧，才可能创造出如此令人信服的图像。这幅画中的委拉斯贵支可能是惟一的一幅自画像，当时，他57岁，从面部表情看，他显得严肃而郁郁寡欢。）
《镜前的维纳斯》西班牙 委拉斯贵支
《镜前的维纳斯》这幅极为优美卓越的裸体画,就是在这样的心境下创作的,它是委拉斯开兹唯一最成功的女性画.画家以充满节奏感的流动线条,塑造了女性人体美,如果以维纳斯身体环视一周,她的曲线起伏变化宛如一首旋律美妙的乐曲,上身高亢有力,下身平和舒缓.大师素来善用透明凝练的色彩和精到的笔触去描绘复杂的肌肤变化,细嫩的肉体富有勃勃生机,充满了青春气息.这是画家对人类自身美感的赞颂.这寓世俗美于理想美的表现方式是富有创作性的，也是威尼斯画派中所没有的。这幅画标明了17世纪西班牙艺术家人本精神的觉醒，也标明了17世纪西班牙人文主义精神在绘画上的独特显示。
布列达的投降 西班牙 委拉斯贵支。《布列达的投降》是一幅著名的历史画，取材于十年前的一个历史事件：1625年7月25日，西班牙殖民军攻克了一个由荷兰军队固守的要塞布列达。这本来是西班牙的一个小小的军事胜利，并且已经过了十年，但好大喜功的菲力普四世为了炫耀自己的武力，要求委拉斯贵支将它画出来。委拉斯贵支在画这幅画时采取了刚正不阿的态度。在这幅画上，既没有画胜利的凯旋，也没有画失败者的猥琐，这是一个宫廷画家难能可贵的举动。
拉士开兹是17世纪上半叶西班牙杰出的绘画大师。他24岁入宫，成了腓力四世的宫廷画家。但是，他的艺术并没有因身在宫内而受到束缚，他不仅画君王、王后、王子、公主，也画乞丐、侏儒、白痴和无权无势的朋友；他不仅画《圣经》主题，也借希腊神话主题画风情画、风俗画和人体画。
17世纪下半叶，西班牙最为著名的画家是巴·伊·穆里罗（B·E·Murillo，1618～1682）。穆里罗与苏巴朗、委拉斯贵支同属于塞维利亚画派，他是西班牙黄金时期艺术传统的继承者。
穆里罗出生在塞维利亚，与委拉斯贵支不同的是，他早期生活较为不幸，15岁便失去了双亲。穆里罗最初跟卡斯提奥学画，这位老师是古典派画家，基本功扎实。不过，对他产生深刻影响的画家却是委拉斯贵支与佛兰德斯画家凡·代克。1645年，穆里罗从意大利游学归来，回到塞维利亚，为一座教堂画了11幅宗教题材的大画，后又画了许多教堂用的宗教画，从此一举成名。此后，他很少离开家乡塞维利亚，在那里终其一生。
穆里罗的艺术基本上可以分为两大类，一类是宗教题材画，另一类是风俗画。他的宗教题材画中画得最多的是圣母像，所以有人称他是“西班牙的拉斐尔”。《圣家族》、《云中圣母》等是他的代表作。《云中圣母》（彩图二十）中的圣母形象正是西班牙民间质朴的妇女的典型，她们具有善良、平静、虔诚的优良品质。
云中圣母 西班牙 穆里罗
除了宗教画外，穆里罗的另一类油画题材是风俗画。这一题材的范围要比他的宗教题材更为广泛，人物性格的表现性格也大为不同。风俗画是他最富有意义的一个艺术领域，街头的流浪儿童，贫困的家庭生活，无家可归的吉卜赛女郎等都是他常常表现的对象。画家怀着一种同情心去表现他们，常常用一种充满暖意的色调去表现人物的心理特征，代表作有《丐童》、《女孩与保姆》、《吃葡萄与甜瓜的少年》等。
17世纪西班牙雕刻方面的成就远不如绘画。有代表性的雕刻家是北方的费尔南德斯（G·Fernandez，约1576～1636）和南方的蒙塔勒斯（J·M·Montáńez，1568～1649）。
欧洲浪漫主义先驱——戈雅（1746.3.30,西班牙 芬德托多斯～1828.4.16,法国 波尔多，亦译戈雅。）裸体的玛哈》在封建君主制的西班牙,笼罩着封建专制和黑暗的宗教裁判所的阴影,一切人性的艺术受到摧残,因此在西班牙的绘画中很少有像意大利那样开放的人体艺术.委拉斯开兹的《镜前维纳斯》已是极为难得,而且还是借助于神话故事,而戈雅却描绘现实生活中的裸体玛哈,大胆地向禁欲主义挑战.作品中着意表现了人性美和人体美.
查理四世一家 西班牙 戈雅（是一幅典型的作品，充分显示了画家超凡的写实技巧。戈雅没有像一般画家那样极力美化王者尊容，而是以深邃的洞察力刻画了人物空虚的灵魂，揭示他们的本质特点。画面上国王查理四世身上挂满勋章，神气十足、傲慢自负,衣饰华贵的皇后立于画面中心位置，俨然是西班牙的实际统治者，旁边是盛气凌人、自高自大的皇太子们。画中除画家外皆面目可憎！查理四世对这幅画非常满意，授予戈雅“西班牙第一画家”的称号。戈雅也是艺术史中第一个敢于在宫廷画师中丑化王权的人，用生动的艺术形象揭示社会的种种丑恶现象。）
《汲水女》西班牙 戈雅 创作于1808-1812年，这是画家74岁时的作品。画家的妻子和儿子相继去逝，精神十分孤独惆怅，国家又处在外患内乱之中，虽然病魔缠身，他依然画了这幅汲水女，借描绘这一充满青春和生命活力的劳动姑娘寄托自己对未来的理想和希望。画面运用大色块，富有激情的笔触塑造这位顶天立地的形象，可见画家的精神在困难中仍充满希望和乐观。
戈雅以奇异多变的油画、素描和版画形式深刻反映当代的社会政治动乱，对19世纪后期欧洲浪漫主义、写实主义和印象主义运动的领袖们影响很大，在20世纪，他的作品仍为表现主义和超现实主义艺术家所尊崇。其最初从何塞．鲁赞．伊．马尔蒂尼斯(Jose Luzan y Martinez)学画，后到马德里成为宫廷画师巴耶乌(Francisco Bayeu)的学生。早年所作的宗教画受流行的巴洛克-洛可可风格，尤其是威尼斯画家提埃坡罗(Giovanni Battista Tiepolo)的影响。进入宫廷后(1775)，他创作的60多幅挂毯草图明显表现出当时西班牙宫廷艺术指导者、德国艺术家门格斯(Anton Raphael Mengs)明晰、单纯的新古典主义风格。哥雅从研究委拉斯开兹(Diego Velazquez)作品着手，开始形成自己风格。他将皇宫收藏的一批委拉斯开兹油画翻刻成蚀版画，并参照这种自然写实手法绘成《基督受难图》(Christ on the Cross,1780)，这使他成为皇家美术院成员，后升任副院长(1785)。在此期间他画的达官贵人肖像，都令人想起委拉斯开兹的同类作品来。哥雅艺术的成熟期正值法国大革命爆发。社会的腐败和统治者的无能使他深感愤懑。1792年因病耳聋后，辞去了美术院院长职务，以通俗讽刺画形式，抨击国家、教会的愚昧与奢侈的弊病。1799年出版的《狂想曲》(Los caprichos)组画是版画史上重大成就之一，哥雅娴熟地为最新发展的凹版腐蚀技法增添了色调效果。
裸体的玛哈 西班牙 戈雅
穿衣的玛哈 西班牙 戈雅
《卡洛斯四世一家》,《伊莎贝拉·德·波塞尔》,《汲水女》,《沙丁鱼的葬礼》戈雅以夸张怪诞的造型和狂热的激情,通过风俗场面传达自己对西班牙社会的一种认识和反映,表现出他的浪漫主义艺术气质.
1808年5月3日枪杀 西班牙 戈雅（是戈雅最著名的代表作品。1808年拿破仑的军队入侵西班牙，5月2 日西班牙人民举行起义反抗侵略者，因力量悬殊被法军镇压，5月3日夜，法军在马德里郊外大肆屠杀起义者。戈雅怀着满腔的爱国热忱和无比悲愤的心情创作了这幅作品，再现了这一悲壮的历史事实。全画笼罩着一种强烈的紧张、悲壮的氛围，无助的起义者有的已倒在血泊中，有的怒视着刽子手视死如归；一盏灯笼造成了画面上强烈的明暗对比，加强了全画阴森恐怖的气氛；画家将起义者置于光亮处，暗示着起义者的光辉伟大；夜幕下的马德里作为刑场的背景，意在表现黑暗笼罩着马德里；远方巨大建筑的阴影像教堂也像王宫，代表着无上的权威和上帝，而当他们的人民被杀害时他们却无动于衷。那位穿白衣的青年两臂伸起，像痛苦地钉在十字架上的耶稣，他愤怒地呵斥着敌人的暴行，身后背着孩子的母亲更加强了画面的悲剧气氛。）
详见：艺术世界斑竹：天高.我翔的 17世纪西班牙美术 / 18世纪欧洲美术 <西班牙>四.19,20世纪西班牙美术
西班牙著名画家米罗。毕加索、达利。现在谈起世界级的当代西班牙绘画大师，许多人会同意是现年82岁，拥有个人大型美术馆的国宝级艺术家塔比埃斯(Antoni Tapies)。世界级的当代西班牙建筑大师安东尼奥·高迪。
1.毕加索（1881～1973）出生在西班牙，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121幅。
跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。
对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”面对勤奋的毕加索和天才的创作，你会不会毕恭毕敬呢？伟大的西班牙画家毕加索死的时候是91岁。也许你要奇怪，为什么我们要把他叫做“世界上最年轻的画家”呢？这是因为在90岁高龄时，他拿起颜色和画笔开始画一幅新的画时，对世界上的事物好像还是第一次看到一样。
年轻人总是在探索新鲜事物，探索解决新问题的方法。他们热心于试验，欢迎新鲜事物。他们不安于现状，朝气勃勃，从不满足。老年人总是怕变化，他们知道自己什么最拿手，宁愿把过去的成功之道如法炮制，也不冒失败的风险。
2.萨尔瓦多·达利1904年生于加泰罗尼亚的菲格拉斯。
图为米其林的奴隶。"米其林的奴隶"表现了达利对古典艺术的精确阐释。虽然造型简单，但却包含了强烈的讽刺意味和犯罪倾向。在原为米开朗琪罗小雕像的中间加入了曼德琳的轮胎。水平放置的雕像像一辆汽车，隐含了达利认为的艺术之美实际上束缚于现代的机械和技术中的哲学含义。
图为勒达矮桌。长190厘米宽45厘米高42厘米。
图为记忆的永恒。达利远离了人们广知的表的形象，并特别给它起了这样一个名字。柔软的表挂在枝头，是古典生活的象征。达利说："时间是在空间中流动的，时间的本质是它的实体柔韧化和时空的不可分割性。"达利检验人们观察时间的速度，它不仅仅是用于科学精确度上的，而是取决于人们观察它时的感受。当我们做一件愉快的工作时，时间似乎在飞，而当我们感到乏味的时候，时间是滞留的。但达利的表不能完全的把时间留住，时间流失的速度要靠我们每个人自己把握。
图为马鞍与时间。于1942年发表的《达利的秘密》中，他说："机械，生硬的物体是我的天敌，对钟表而言，它要么是软的，要么就根本不要存在。"达利认为人类不能依赖真实、无梦的世界，不能只是表现完全的真实。这一点在他的作品《马鞍与时间》中是显而易见的。马是达利世界的著名形象，以时间为胄，背负重任的马，是压抑的，慢慢行走的世界的代表。达利用这件作品细致地表达了在社会压力束缚下的个体，他们无意识，真正的心态是试图隐藏自己，释放自我。
图为时间的贵族气息。达利融化的王冠表是拒绝从枝干上滴落下来的，长出新芽、盘根错节的树干是新生活的象征。从字面上讲，"王冠之表"通常指可以上发条的机械装置。但是，达利的表和内部的机械力无关，是功能学的反面。表上的王冠仅是装饰，说明时间控制人类。善于狂想的达利用两个符号来表现这种控制力：一个沉思的天使，一个盖着一块布优雅的裸体女人。
图为奇境中的爱丽斯。英国作家数学讲师卡罗尔（1832-1898）的第一部作品《艾丽丝漫游奇境记》，是对友人的子女所讲的故事，此书发表后，成为了非常受人们欢迎的儿童文学。因作者根据儿童的心理作种种幻想，尤其是所描写的梦中世界，看来似乎荒诞，仔细回味时则寓意深远；而且对世道人情微讽轻嘲，幽默风趣，表现了作者的独特风格，所以不但儿童喜爱，也为成年人欢迎。像奇境中的爱丽斯一样，达利经历了漫长的梦之苦旅。这是达利想要表现的爱丽斯的形象。她头顶的绳子呈弧形，头发和手用玫瑰花代替，代表了女性之美。相对于这个纷扰的世界，她无可辩驳地是代表纯真儿童时代永恒的小女孩。在经历了超现实世界的种种奇遇后，她不但没有受到任何伤害，而且丝毫没有改变。
图为思忆中的女人。"思忆中的女人"综合了达利30年代画中的多个新主题。把人物放在面包上的灵感来自米勒的"晚钟"。《晚钟》里的农夫，在达利的多个画中出现，并下意识地显露出性压抑的成分。1963年，达利在他的一本书中写道，他怀疑米勒把自己藏在画中的夫妇前。当人们问达利为什么用面包时，他说："它是那么有用，是营养和食物秘密的符号，我要把它变得不实用而美感，用面包来制造超现实"。当"思忆中女人"于1933年在巴黎展出时引起强烈轰动。不仅是因为它不同凡响的画面，而是面包和谷子不是青铜而是实物。据说后来毕加索的狗把面包偷走吃掉了。在画中脸上的蚂蚁是画上去的，在颈上的形象取自一部早期叫动物圈的动画机器。
图为艺术之爱。古罗马诗人奥维德（公元前43年－公元18年）50多岁时（公元8年），突然被奥古斯塔斯流放到黑海东岸的托弥(今罗马尼亚的康斯坦察)，最后病死于此。有人认为这首诗可能是他写《爱的艺术》的背景。奥维德生活在奥古斯塔斯的统治得到巩固的时期，当时奴隶主阶级过着穷奢极欲的生活。《艺术之爱》（3卷）指传授爱的技巧。这些爱情诗内容轻佻，但真实地反映了当时的生活面貌。他的诗语言优美，技巧娴熟，发展了提布卢斯和普佩提乌斯的埃勒格体爱情诗传统。这个在今天依然流行的诗篇，在达利刻刀下，两个情人相遇，达利用丰富多彩的画面改变了以往一些罗马神话中人物的性格，如阿波罗和伊卡罗斯由多情的性格变得富有攻击性。
图为梅维斯的唇形沙发。梅维斯的唇形沙发改变了以往达利偏执讽刺的手法，而从事物的本身表现。达利参照一个实际的事物，梅维斯的性感的嘴唇，制作了一件功能性作品。我们知道，梅维斯的美貌和她的俏皮话远比她的演技要著名的多。而达利是公众眼中的宠儿，在对梅维斯的敬意中产生了这个沙发的灵感。最早的沙发在达利的监督下于1936年在巴黎制作。室内装饰设计师埃尔萨运用了"鲜粉红色"，使这件作品变得非常流行，一再地被家具制造商们复制。其中一件保存在菲格里斯的博物馆里，从一定的角度望去，它精确地再现了梅维斯美丽的面庞。
图为燃烧中的女人。火中的女人综合了达利最喜爱的形象：火和抽屉女人。达利发现火很有趣，因为它们有自己的生命，而且给看到它的人一种魔力。火还赋与女人以性爱的冲动。达利曾经用弗罗伊德的理论来解释这件作品，是孩子对封闭空间好奇心的派生。不仅满足了他们想要了解这里有什么，而且驱除了对未知有害因素的恐惧感。弗罗伊德解释抽屉是女人隐藏性欲的象征。达利在这里增加了许多微开的抽屉，暗示她们的秘密是公开的，而且不再害怕。两个拐杖从雕塑中升起，象征了权威、稳定和性力量的结合。
图为抽屉人。多年来，达利为这个形象作了多幅画。值得注意的是在所有的版本里，作品的脸总是藏在长长的头发里。虽然作品显然是一个男人，但实质他不是一个人，因此作品被冠以人形的标题。抽屉是空的，似乎提醒我们有一个地方可以储存想象。而举起的手似乎在警示我们除非有足够的能力接受超现实，否则不要靠近他。
图为空间维纳斯。美神维纳斯在这里被一只软化表，一只鸡蛋，两只蚂蚁分成两截。从颈部垂下的表说明肉体之美是短暂的，会消失的，而艺术之美是无限的，永恒的。蚂蚁是人类道德短暂性的象征。在维纳斯身体中间的鸡蛋，和蚂蚁一样，具有外硬内软的性质，代表了生命和希望。
图为对缪思的敬意。为了创作音乐女神缪思，达利用冰硬的雕塑来描写她肉欲的侧面形象。没有现实意义的手指显然是一种象征符号。光滑和粗糙质地的舞者分别代表优雅和无意识。另一个具有立体形象的舞者代表了现实世界中杂乱无章的节奏。两个肩并肩的舞者在人间自由地起舞，除了代表优雅和无意识，也代表生活中的性欲。
达利像
萨尔瓦多·达利（1904－1989）是20世纪超现实主义画派的巨擘。1904年5月11日出生于西班牙东北部加泰隆尼亚省的小城菲格拉斯。达利从小热爱绘画，并对生活周围异常的、新奇的事物具有高度的敏感。1919年，年仅15岁的达利的作品在菲格拉斯剧院展出，受到了评论家的重视。1921年，他进入马德里圣费南度美术学院就读，但是学院传统的教学无法传授给他渴望学习的东西，他潜心钻研，探索毕加索、莫朗迪、基里柯等人的艺术，大受启发。达利在1929年参加超现实主义运动以来，给予艺术世界极大影响，创作出《记忆的延续软钟》、《欲望的幽灵》、《纳希瑟斯的蜕变》、《原子丽达》、《带抽屉的米罗维纳斯》等等惊人视听的作品。他的创作理念，是从精神分析学家弗洛伊德的潜意识和偏执狂的批判方法发展而来。战后他则透过宗教与原子物理学的触发，在构思上力求接近"超合理性"的世界。
自从达利的妻子加拉在1982年过世以后，达利的健康状况每况愈下。1989年1月23日，达利死于心脏病和呼吸并发症。
作为一名艺术家，达利不把自己局限在单一的风格和创作媒体中。他的作品，历经了早期的印象派，作为过渡的超现实主义，直到最后经典时期这一变迁过程，证实了达利不愧是一位不断探索和进步的艺术家。达利几乎在所有的艺术载体上工作，他留给世人的不光是大量的油画、水彩画作品，还包括许多雕塑作品，珠宝设计等等。
关于达利其他：
第三部分：宗教与神话http://xiaoling4588.blog.163.com/blog/static/4123712006313044560/edit/
蓝色之二 米罗
3.杰昂·米罗(1893-1983) 二十世纪绘画大师，超现实主义绘画的伟大天才之一。米罗艺术的卓越之处，并不在于他的肖像画或绘画结构，而是他的作品有幻想的幽默——这是其中一个要素。另一个卓越之处就是，米罗的空想世界非常生动。他的有机物和野兽，甚至他那无生命的物体，都有一种热情的活力，使我们觉得比我们日常所见更为真实。 米罗是非常多产的，画风始终如一而又多样变化。以至想要一般性地追述一下都十分困难。早期作品受塞尚、梵高和毕加索及野兽派画家的影响，作品或带有极为精雅的色彩和线条的运动，或具有立体主义的作风。在1920年代中期，他在他的新天地中，探索了非常困难的一些方面，从《哈里昆的狂欢》的复杂性，到《犬吠月》和《人投鸟一石子》这类作品非常有魅力的单纯性。1928年他访问了荷兰，受到荷兰少有的几个大师的影响。他制作了一系列的绘画，题名为荷兰的室内，那是从真实到幻想变形的实例。1920年代末至1930年代初，米罗开始探讨拼贴和装配，并创作了一些怪人物。这些探索一直又继续搞了十年。这个时期给人印象最深刻的作品，就是1933年的大型组画，到此时为止，这也是最抽象的作品。有一些是以拼贴的要素为基础的，把从报纸上撕下来的真实细部，贴到纸板上。母题有工具、家具、碟子和玻璃器皿，暗示他的抽象有机形状，有时是指面部或人体。这些绘画的意图是以抽象为主体，并用中性的标题表现出来。
《哈里昆的狂欢》是第一幅超现实主义的图画：在一个奇特的空间逆转感。室内举行着狂热的集会，只有人类是悲哀的，那人带有颇为风雅的胡子，叼着长杆的烟斗，忧伤地凝视着观者。围绕着他的是各种各样的野兽、小动物、有机物，全都十分快活。没有什么特别的象征意义，画家充分地描绘了一种辉煌的梦幻形象。
《加泰隆风景》中的幻想，虽然神秘但很生动。在画中，黄色和橙黄的两块平面，相交于一条曲线。猎人和猎物都画成几何的线条和形状。一些不可思议的物体散置在大地上，有些可以辨认，有些好象暗示海上的生物或显微镜下的生物。
犬吠月 米罗
更令人激动的作品是《静物和旧鞋》，显示了这位非政治的艺术家，为反对西班牙内战的法西斯分子而做出的深切的反应。《静物和旧鞋》的形象是明确的，有旧鞋、酒瓶、插进叉子的苹果，还有一端变成一个头盖骨的一条切开的面包。所有这一切都有安排在一个捉摸不定的空间里，色彩、黑色和凶险的形状令人厌恶。这件作品并不是特别的象征，而是反映了米罗对发生在他所热爱的西班牙事变的痛感和厌恶之情。他是以物体、色彩和形状来声讨腐朽、灾难和死亡的。在这个时期，米罗画了一幅线描自画像。瞪大的眼睛和紧缩的嘴唇，反映了他的恐怖观念。严酷的绘图和催人入眠的正面化形象，标志着他继承了自己的早期风格。4.安东尼奥·高迪（Antonio Gaudi，1852-1926），西班牙建筑师，塑性建筑流派的代表人物，属于现代主义建筑风格。高迪曾就学于巴塞罗那省立建筑学校，毕业后初期作品近似华丽的维多利亚式，后采用历史风格，属哥特复兴的主流。高迪最早接受的主要委托项目是完成巴塞罗那的神圣家族教堂（1883-目前仍在建设中），这是一座极有个性和感染力的建筑物（高迪去世时仅完成一个耳堂和四个塔楼之一），米拉公寓，巴特罗公寓（又称巴特罗之家），吉埃尔礼拜堂和古埃尔公园。
巴塞罗那，以独特的建筑艺术称荣。城市几乎所有最具盛名的建筑物都出自一人之手。这位被称作巴塞罗那建筑史上最前卫、最疯狂的建筑艺术家，名叫高迪。
安东尼奥·高迪·伊·克尔内特，1852年7月26日生于离巴塞罗那不到100公里的一个小镇。出身于金属工艺师家庭的高迪，青少年时代，做过锻工，又学过木工、铸铁和塑膜。1878年高迪获得建筑学学士学位，这一年，他为巴黎万国博览会设计的一些橱窗展台，使他崭露头角。可以说，高迪是个幸运儿，正当他在建筑设计界小有名气的时候，一个名叫戈埃尔的富商把自家未来的宅邸和一个以戈埃尔名字命名的城市花园的设计交给了高迪。
高迪是如何在西班牙建筑领域里挥洒着智慧的汗水?”观光导游搬起手指一一列举，“只要看看巴塞罗那已列入西班牙国家文物的17幢各具特色的建筑物和联合国教科文组织1984年将戈埃尔城市公园宣布为国际纪念碑性建筑，就知道高迪没有辱没作为一个天才建筑家的使命。”观光导游不无炫耀地说：“正是因为高迪，才有了巴塞罗那今日更辉煌绚烂的美丽。不少游客是为了观赏高迪的建筑艺术，才到西班牙来的。
是的，高迪的建筑非同以往我们所见到的欧式建筑。作为用建筑表达思想的哲学家，高迪对西班牙传统建筑进行了解构，建筑就是雕塑，就是交响乐，就是绘画做诗。在这一思想指导下，高迪的风格既不是纯粹的哥特式，也不是罗马式或混合式，而是融合了东方伊斯兰风格、现代主义、自然主义等诸多元素，是一种高度“高迪化”了的艺术建筑，他拒绝在建筑物上使用直线，他认为直线是人为的，曲线才是自然的。高迪最偏爱的几何形体是圆形、双曲面和螺旋面。摈弃了彻头彻尾的直线设计，高迪用不同一般欧陆风格的建筑使巴塞罗那成为一座梦幻之城。领略着出自高迪之手的米拉之家、巴特略公寓、戈埃尔公园，以及他的未完成作品——圣家教堂，不能不联想到西班牙人敢想敢为、豪放大胆的民族特性。我似乎明白了，高迪为人们展示的是典型的地中海盆地艺术。他的原创精神正是他的名言“创作就是回归自然”的真实写照。
你想到过天空、云层、水面、山脉，以及各种各样的动植物的造型能应用于建筑上吗?而在高迪的建筑中，世界万物无不具有建筑的灵气。巴特略公寓看上去就像一幅抽象派画家笔下的风景画，从中可以读出高迪对自然界各种形状结构的独特诠释。如壳体、骨架、软骨、熔岩、翅膀及花瓣。公寓的露台像骷髅头，柱子像一根根骨头，屋顶像布满鳞片的鱼背，烟囱被表现为山脊上耸立的险峰。1900-1914年建立的戈埃尔公园，其怪异的造型有如魔幻般的神奇，缤纷的西班牙瓷砖使公园流动的曲线动感强烈，每个细部都具有仿生学意义。我特别留心公园那条长蛇般的座椅，椅子的高度、背部的弧度，以及相距的空间，恰到好处地保持了朋友之间促膝谈心应有的距离。这种人性化的设计，在公园的各个部位都能看到。遗憾的是，作为城市公园的首创者，高迪的设计在当时没有引起人们的兴趣。由于公园离城区较远，富人们觉得不方便，穷人们则住不起，因此园内只建起两栋别墅。高迪视戈埃尔公园是自己失败的作品。而100多年后的今天，当家庭汽车相当普及、对郊外别墅十分钟情的时候，人们更佩服高迪的远见了。
高迪建筑生涯的顶峰是1883年接手的圣家教堂，为此他付出了毕生的精力。坦率地说，游欧洲不论到哪个国家，参观教堂是必不可少的节目。我到过的教堂确实不少，多数教堂一离开就回忆不起来， 而高迪设计建造的圣家教堂，从任何意义上说都是世界独一无二的。首先是设计，这座教堂突破了基督教千篇一律的传统格局，是用螺旋形的墩子、双曲面的侧墙和拱顶双曲抛物面的屋顶，构成了一个象征性的复杂结构组合。教堂的上部四个高达105米的圆锥形塔高耸入云，纪念碑般地昭示着不朽的神灵。塔顶是怪诞的尖叶柿，整个塔身通体遍布百叶窗，看上去像镂空的大花瓶。教堂外部的雕刻精美而独特，不论是十字架上的耶稣，还是根据《圣经》故事创作的主题雕塑，都给人造成强烈的视觉冲击力。即便你对基督教一窍不通，只要伫立在圣家教堂前，你就会被那峥嵘、奇异的雕刻纹理所折服，你就无法平息内心的震撼。高迪虽不是一位教育家，但他深谙教育环境所具有的感染力是不可抗拒的。
出于对基督教的尊崇，高迪设计圣家教堂，是以高度的宗教热情，按照自己不断涌动的艺术灵感来继续自己的创作，教堂的整个建筑是在他的严格监督下进行的，许多部位他都亲手施工。从接手那天起，高迪就住在教堂的工地上。他一生未娶，除了建筑，他似乎忘记了女人。过惯独居生活的高迪衣服褴褛不堪，他多次被人误以为是个乞丐。1926年6月7日，一件不幸的事发生了，高迪被一辆疾驰的电车撞倒，三天后，他扔下正在施工中的圣家教堂，撒手归西。人们为了纪念高迪，把他的遗体埋在教堂的地下室里，以此激励他的后继者。
高迪的继承人是如何化悲痛为力量的，难以考究。令我匪夷所思的是，直到今天，圣家教堂仍没有竣工。高迪离开人世已经70多年了，圣家教堂从1882年动工迄今已120多年。“圣家教堂究竟盖到哪一天？”我向导游追问。“没有人说得清楚。”导游摇摇头。在现代化程度如此高的西班牙巴塞罗那，圣家教堂就像一幅永不完工的艺术品。也许正因为它的永不完工，才能衬托出高迪建筑的不朽魅力。
5.塔比埃斯是从20世纪过渡而来的绘画巨匠，他中年后至今，人们一直把他和毕加索、达利、米罗等大师相提并论。
《黑色背景上的纸板块》安东尼·塔比埃斯(Antoni Tapies)，一九二三年出生于西班牙的卡达兰（Catalan）地区巴塞罗那（Barcelona）的一个中产阶级家庭。生活在这里的塔比埃斯原本追随其父学习法律，后无师自通，转而进入绘画创作。一九五八年，塔比埃斯代表西班牙参加威尼斯双年展（Venice Biennale），并获得两项重要奖项。《黑色背景上的纸板块》便作于之后的次年，画面单纯，为其早期佳作。
“非定型主义”宗师。塔比埃斯和20世纪其他已故大师的一个不同点，在于他同时是个理论根基深厚，写文著书的好手。从1970年开始，他以西班牙文出版了《实践艺术》《反美学的艺术》《塔比埃斯自传》《社会就是艺术》《塔比埃斯文选》等著作。
说塔比埃斯是“非定型主义”绘画的宗师，什么是“非定型主义”？那指的是：材料绘画派、动作符号绘画派、笔触式绘画派、空间式的绘画派等独具一格的画派；塔比埃斯是属于“材料绘画派”。
“材料绘画派”尽量使用成团成块的油画颜料和物体上色加彩，让人感觉到油彩的“厚度”与“重量”，再配合撕、刮、擦、写等质感表现手法。
塔比埃斯也长期寻找其他材料的表达可能性，如精密几何图形、黑白赭色泥土，以及日常所见的床椅柜子门窗等现成物体。
这位高龄艺术大师最近还领导西班牙50名文化界精英反对政府对居埃尔礼拜堂进行维修计划。作者：天高.我翔
